Deadline

Musée d’Art moderne de la ville de Paris - ARC

16 octobre 2009 – 10 janvier 2010
11, Avenue du président Wilson 75 116 Paris

En réaction aux traumatismes des guerres mondiales et emportée par la recherche du progrès, la société occidentale a tenté d’occulter la question de la mort et sa visibilité. A partir des années 1980, l’apparition du sida modifie cette attitude. La prise de conscience soudaine d’une plus grande fragilité de la vie est alors ressentie, particulièrement dans le milieu « underground » et la scène culturelle. Confrontés à l’angoisse, la souffrance ou la perte d’autonomie liées à la maladie ou la vieillesse, le regard des artistes sur le monde et sur eux-mêmes s’en trouve bouleversé.

Depuis la publication en 1970 de Admirable tremblement du temps de Gaëtan Picon et l’exposition L’oeuvre ultime à la Fondation Maeght en 1989, la question des dernières oeuvres a rarement été abordée de manière transversale. DEADLINE propose un regard sur une sélection d’artistes disparus au cours des vingt dernières années, choisis en fonction de la manière dont ils ont intégré dans leurs derniers travaux la conscience de la mort, l’urgence de l’oeuvre à achever et le dépassement de soi. Certaines pièces exposées semblent non seulement testamentaires, mais aussi visionnaires, d’une grande audace, comme en avance sur leur temps. Outre qu’elles sont souvent regardées comme la marque d’une mort annoncée, les oeuvres – qu’il s’agisse de peintures, de photographies, d’installations, de sculptures, de vidéos – cherchent à produire la synthèse d’une vie avec une intensité qui atteint parfois à une plénitude, l’expression possible d’une vérité, comme un dernier mot ou un dernier geste qui expliquerait tout.

• Absalon

  Né en Israël en 1964, Absalon arrive à Paris à l’age de 23 ans et entre à l’Ecole des Beaux Arts. Il commence par concevoir des boîtes contenant des éléments blancs ordonnés ; qui deviennent progressivement des prototypes destinés à l’habitation. A partir de 1989 et jusqu’à sa mort en 1993, il réalise des propositions à la taille de son corps. Les Cellules : – projet non achevé – sont une série de constructions conçues pour être occupées par lui, dans six villes du monde, dont New York (Cellule n°3).
  Se sachant atteint du sida, et conscient du caractère irrémédiable de la maladie, Absalon semble vouloir accélérer le temps. Il réalise dans l’urgence des vidéos qui empruntent à la performance. Pour Solutions, il exécute des gestes de la vie quotidienne dans une cellule. Dans Bataille et Bruits, il exprime rage et révolte.

• Gilles Aillaud

  Né à Paris en 1928, Gilles Aillaud peint et dessine dès l’enfance et suivra une formation artistique. Dans les années 1950, il peint, des oiseaux et des paysages marins puis au cours des années 1970, il représente des animaux enfermés dans des cages ou des zoos. L’oeuvre d’Aillaud est associée pour un temps au mouvement de la Nouvelle Figuration.
  Suite à un accident vasculaire en 1977, il ne peut plus se servir que de la main gauche mais continue néanmoins à travailler. Pendant les dernières années de sa vie, la mobilité d’Aillaud ne cesse de se réduire et il dépend entièrement de ses proches. Les tableaux, de plus en plus rares, mais de plus grand format sont à dominante bleue ou beige. En 2004, il cesse de se rendre à son atelier, annonce qu’il ne parlera plus et reste couché jusqu’à sa mort en 2005.

• James Lee Byars

  Né à Detroit en 1932, James Lee Byars s’installe en Europe à partir de 1972 après un séjour au Japon. Son oeuvre, sous forme d’objets et de sculptures, est traversée par l’obsession de la perfection et l’idée de la mort.
  Confronté à la question de la fin de vie suite à un cancer diagnostiqué en 1990, Byars en tire une série d’oeuvres et de performances. Ainsi l’installation The Death of James Lee Byars est une reconstitution de l’espace de la galerie Marie-Puck Broothaers à Bruxelles où, en 1994, habillé d’un chapeau et d’un costume lamés or, Byars s’était étendu sur le sol pendant un moment. Après cette performance, cinq diamants ont remplacé son corps en le symbolisant, tel un rappel de l’Homme de Vitruve de Leonard de Vinci.
  En 1997, peu de temps avant son décès, il part pour l’Egypte à la recherche d’hypothétiques souffleurs d’or qui l’aideraient à réaliser la sphère parfaite, ayant les dimensions d’un coeur humain.

• Chen Zhen

  Né en 1955 à Shanghai, Chen Zhen arrive à Paris pour intégrer l’école des Beaux Arts. Travaillant sur l’idée du déplacement et de la migration, il transforme en source d’énergie vitale la maladie rare et incurable dont il est atteint dès 1980 et dont il mourra en 2000. Les oeuvres des dernières années cherchent à annoncer l’intrusion de la maladie dans le corps du monde (le corps individuel, social et culturel).
  Les pièces exposées se réfèrent à la relation entre médecine occidentale et chinoise. Ainsi, les sculptures en albâtre éclairées et les instruments en métal de Zen Garden symbolisent la chirurgie occidentale en opposition aux jardins zen chinois. Tel un paysage interne du corps, les organes humains en cristal, de Crystal Landscape of inner body manifestent la fragilité et la beauté du corps face au diagnostic médical.

• Willem de Kooning

  Né à Rotterdam en 1904, Willem de Kooning émigre à New York en 1926. A la fin des années 1940, il devient l’un des fondateurs du mouvement expressionniste abstrait. Il défraie la chronique avec la série des Woman au début des années 1950 en refusant d’adhérer exclusivement à l’art abstrait et en produisant des images féminines agressives. Durant toute sa carrière il évolue entre des oeuvres tantôt abstraites, tantôt figuratives avec un coup de pinceau énergique et une densité dans les surfaces.
  De Kooning s’embarque, en 1980, à 70 ans passés, dans une phase étonnamment prolifique qui durera une dizaine d’années produisant des compositions plus ouvertes, parfois décrites comme sereines. Leur aspect direct ainsi que leur qualité calligraphique témoignent de l’effort, dont il a fait preuve durant toute sa carrière, d’intégrer le dessin dans la peinture. Au cours des années 1980, il souffre de pertes progressives de mémoire ; pourtant quand il peint il demeure totalement alerte et impliqué. A la fin des années 1980 et au début des années 1990, certains critiques associent ses oeuvres récentes à ses facultés mentales défaillantes, tandis que d’autres y voient un nouvel accomplissement qui couronne sa carrière. Depuis, ses dernières oeuvres ont été reconnues par un large public. De Kooning cesse de peindre en 1990 et décède en 1997.

• Felix Gonzalez-Torres

  Artiste américain né à Cuba en 1957, Felix Gonzalez-Torres a réalisé une oeuvre d’une grande profondeur, dans laquelle il offre aux commissaires la liberté d'installer comme ils le désirent ses guirlandes d'ampoules, telles que “Untitled” (Leaves of Grass). En référence la fragilité de la vie, ces guirlandes évoquent aussi la renaissance perpétuelle. Avec “Untitled” (Vultures), la toute dernière oeuvre qu’il a réalisée, l’artiste revient à la permanence de la photographie encadrée ; mais, à la fois réflexion sur la disparition et image éternelle, elle laisse une place à l'évolution de l'appréciation du spectateur. Selon la volonté de l'artiste, le placement de ses rideaux de perles — dans ce cas “Untitled” (Beginning) — force les spectateurs à traverser l’oeuvre, ce qui crée une expérience à la fois partagée et individuelle. Si l’individu est touché, le rideau est lui aussi touché par l’individu, mais retourne toujours à son état neutre.
  Felix Gonzalez-Torres est mort en 1996 des suites du sida.

• Hans Hartung

  Né à Leipzig en 1904, Hans Hartung arrive en France dès 1935 fuyant la montée du nazisme. Après la guerre à Paris, il est considéré comme l’un des pionniers de la peinture gestuelle et une figure majeure de l’Abstraction lyrique.
  Au cours des trois dernières années de sa vie et malgré une santé déficiente, Hans Hartung produit dans l’atelier d’Antibes quelques 650 toiles – certaines de très grands formats – à la palette chromatique élargie. Entouré de ses assistants, il met au point une technique de projection de la peinture à partir d’une sulfateuse à vigne. En 1989, année de sa mort, la phase de liberté et d’audace exceptionnelle dans laquelle cet octogénaire est entré peut se mesurer au regard de la production de la journée du 4 juin, énergie encore présente dans sa toute dernière oeuvre peinte le 16 novembre.

• Jörg Immendorff

  Né en 1945 près de Lüneburg, Jörg Immendorff suit l’enseignement de Joseph Beuys à l’Académie de Düsseldorf. S’intéressant à l’histoire de l’Allemagne, il réalise un cycle de peintures à caractère politique, Café Deutschland.
  A partir de 1997, Immendorff traduit, dans ses toiles, la paralysie progressive (une sclérose latérale amyothropique dont il est atteint depuis 1998) à travers des corps disloqués, des squelettes, des visions d’enfer… Pour continuer à peindre, il met en place à la manière d’un « chef d’orchestre » une méthode de travail avec ses assistants, de véritables « pinceaux vivants », et un ordinateur. Il conçoit également une série de singes en bronze portant les prénoms d’artistes célèbres tels des blasons contre la mort de la peinture et la mort en général. Il conserve son poste de professeur à l’académie de Düsseldorf jusqu’à sa mort en 2007, à l’âge de 61 ans.

• Martin Kippenberger

  Né à Dortmund en 1953, Martin Kippenberger réalise une oeuvre prolifique et complexe (peintures, installations, éditions). S’éloignant du cliché romantique de l’artiste visionnaire, ses sujets principalement politiques et sociaux sont traités avec une ironie non dépourvue de cynisme.
  En hommage à Géricault et aux rescapés du Radeau de la Méduse, Martin Kippenberger donne un parfum de drame autobiographique à une de ses toutes-dernières séries de toiles. Pour cet ensemble de lithographies, dessins et tableaux, l’artiste exécute un grand nombre d’études, à partir de photographies de son propre corps en position de naufragé.
  Atteint d’une hépatite, d’une cirrhose et d’un cancer du foie, son existence fulgurante et bohème se termine en 1997 à l’âge de 44 ans.

• Robert Mapplethorpe

  Photographe américain, Robert Mapplethorpe, né dans l’état de New York en 1946 est à l’origine d’une oeuvre photographique au croisement de l’esthétisme et de la provocation (portraits, nus, natures mortes).
  Ses rencontres avec des personnalités de la culture underground et artistique de New York sont déterminantes pour son parcours (Patti Smith, Andy Warhol, …).
  En 1986, hospitalisé pour pneumonie, il est diagnostiqué séropositif. Son intérêt pour la beauté classique à travers la photographie de la statuaire antique se développe progressivement. L’oeuvre évolue ainsi vers un raffinement des sujets et une sophistication de la prise de vue et de l’éclairage.
  Dans un de ses derniers autoportraits il se représente avec une canne surmontée d’un crâne. Mapplethorpe décède à Boston en 1989 à l’age de 42 ans.

• Joan Mitchell

  Née à Chicago en 1925, Joan Mitchell obtient son diplôme de l’Art Institute of Chicago en 1947 avant de voyager en Europe et au Mexique. A son retour aux Etats-Unis en 1949, elle s’installe à New York, où elle découvre l’expressionnisme abstrait et l’Action Painting, auquel elle emprunte la gestuelle énergique dans son propre travail. Elle déménage à Paris en 1955 et finit par s’installer à Vétheuil en 1967 où elle vivra et travaillera jusqu’à sa mort. Elle peint beaucoup de grands formats, souvent déployés sur plusieurs panneaux, se prêtant ainsi à l’intensité de ses grands coups de pinceau et à la richesse de sa palette. L’énergie et l’immédiateté présentes dans ses ’uvres reflètent des sentiments qui se rapportent à des souvenirs précis de lieux, de personnes et d’expériences.
  Vers la fin de sa vie, alors qu’un problème à la hanche limite ses mouvements, la technique de Mitchell n’a rien perdu de sa fureur gestuelle. Elle simplifie ses compositions sans pour autant sacrifier l’énergie qui fait son style, en concentrant ses tracés sur les zones de la toile les plus accessibles à son pinceau. Elle meurt en 1992, à l’âge de 67 ans.

• Hannah Villiger

  Photographe suisse née en 1951 à Cham, Hannah Villiger suit des études en sculpture et produit des objets avant de se concentrer essentiellement à la photographie.
  Sa pratique, s’oriente progressivement vers les tirages Polaroïd agrandis (dont les Blocks et la série Skulptural). En 1980 atteinte de tuberculose, elle doit séjourner en convalescence. D’une observation poétique de la vie environnante, elle concentre son attention sur son corps grâce au Polaroïd qui, utilisé à bout de bras, joue le rôle de miroir introspectif.
  Vers 1996, elle commence à couvrir son corps désormais décharné avec des tissus dans une volonté de préserver les qualités sculpturales. Ayant souffert de pneumonies mal soignées en plus de la tuberculose, elle décède d’une insuffisance du coeur l’année suivante à l’age de 45 ans.

• Informations pratiques